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Depuis 1989, l'enseignement de la danse est une discipline réglementée.
Il est en effet obligatoire de détenir un diplôme d'État pour enseigner la danse contemporaine, jazz ou classique (et tous leurs dérivés).
C'est un diplôme d'une valeur de BAC+2 qui est bien plus complet qu'il n'y paraît et qui est assez méconnu.
Je reviens dessus en détail dans cette chronique pour vous permettre aussi de savoir à quoi vous attendre en tant qu'élève, dans quel cadre le cours devrait avoir lieu. Le diplôme ne fait pas tout mais il donne un cadre structurant, une base d'enseignement !
Les professeurs de danse ne sont pas des animateur•trice•s de club de loisirs, ni "uniquement" des bon•ne•s danseur•se•s
Au programme de la chronique
Un diplôme d'État : pourquoi, comment depuis quand ?
Partie 1 de la formation : l'EAT, la technique de danse
Partie 2 de la formation : les UVs théoriques
Partie 3 de la formation : l'UV de pédagogie
Conclusion
Un diplôme d'État : pourquoi, comment depuis quand ?
Encadrer l'enseignement de la danse
Le diplôme d'État est né en 1989 pour sécuriser l'enseignement de la danse.
Il y avait deux objectifs derrière cette réglementation :
former les enseignants au développement de l'enfant pour sécuriser l'apprentissage et préserver les enfants de pratiques non adaptées
sécuriser les conditions d'enseignement de la danse (locaux, sols etc).
Le diplôme est bien obligatoire pour l'enseignement des danse contemporaine, jazz et classique, et chaque prof est censé le mentionner et même l'afficher dans son école. L'enseignement des autres danses est effectivement bien moins réglementée par contre, je ne sais pas trop pourquoi je dois dire.
Un diplôme obligatoire et très complet !
Un équivalent BAC+2 qui est très complet, avec un volet théorique important, mais aussi technique et pratique. Il est même en voie de revalorisation pour équivaloir (ça se dit ?!) à un BAC+3. Vous le saviez ? Moi même, avant de m'engager dans cette voie, je ne savais pas du tout que je parais là-dessus !
Pour être franche, en arrivant de prépa et école de commerce, je m'attendais à des études plus faciles, mais je ne peux pas du tout dire que c'était la partie de mes études la plus simple, bien au contraire ! C'est une voie très challengeante qui demande notamment beaucoup de remises en questions.
Le DE de danse, c'est comme le permis. Obligatoire, il fait que vous pouvez a priori aller prendre un cours de danse en confiance (ou prendre votre voiture sur la route par exemple). Mais c'est exactement comme le permis, ça ne garantit pas non plus la qualité de tous les enseignants. Le diplôme donne les bases et après chacun•e évolue, c'est seulement un bon point de départ.
Il n'est pas de pédagogie qui ne commence par éveiller le désir d'apprendre.
François de Closet
Épreuve 1 de la formation : l'EAT, la technique de danse
En théorie, l'EAT est un prérequis pour entrer dans une formation pour avoir son diplôme d'État. Un peu comme le BAC avant d'entrer dans les études supérieures.
Sauf qu'en vrai de vrai, quasi personne n'a le niveau pour passer l'EAT sans formation. Du coup, en vrai, il y a plutôt comme "une année 0" de formation (puis officiellement ce n'est pas l'année 1) qui sert à préparer cette épreuve. Une année 100% danse, qui met le corps à l'épreuve, qui stimule et où on fait progresser son corps chaque seconde. J'ai adoré personnellement même si c'était épuisant !
Au programme : de la danse
Finalement, c'est la seule épreuve qui évalue vraiment le niveau technique de danse. Car un•e bonne prof est un•e bon•ne danseur•se mais ce n'est qu'un petit bout de la lorgnette. Un bon niveau de danse ne fait pas un•e bon•ne prof !
Dans cette épreuve technique, on nous demande de danser 3 chorégraphies :
Une des deux chorégraphies imposées de l'épreuve (lien vers les vidéos)
Une chorégraphie qu'on a composé nous-même
Une improvisation sur un sujet donné par le jury (en général un sujet technique que le jury estime par exemple n'avoir pas bien vu ou qu'il veut confirmer genre "les bras" au hasard, ou "le poids du corps")
L'épreuve se termine par un rapide entretien.
Vous pouvez retrouver toutes les chorégraphies imposées par année et par discipline sur Numéridanse, sur la chaîne du Ministère de la culture. Toutes les vidéos sont par ici. De beaux défis techniques !
Ce qui est évalué
C'est une épreuve très technique donc comme son nom l'indique. C'est un peu le moment où on est au top de sa technique. Comme la prépa, où on est un peu son apogée intellectuelle haha
C'est une épreuve pas évidente car on la travaille énormément puis elle a lieu très rapidement : en quinze minutes, c'est plié. Et malgré l'effort du jury et du ministère, c'est difficile d'objectiver complètement les résultats. Le jury voit passer plein de monde rapidement donc c'est inévitablement un peu relatif. C'est pour ça aussi qu'on n'est jamais assez préparé.
Et puis, c'est un peu comme un spectacle, difficile de préparer comment on réagira au fait de danse devant un jury, il y a la gestion du trac !
Voilà les deux variations que j'ai dansé pour mon EAT, que j'ai passé en 2016
Épreuve 2 de la formation : les UVs théoriques
Cette partie théorique est commune aux 3 diplômes d'État : jazz, contemporain et classique donc on étudie tous les 3 disciplines.
En théorie, cette partie théorique (ça fait beaucoup de théorie), correspond à l'année 1 de la formation. Dans les faits, on prépare souvent l'EAT et les UVs presque en même temps (mais faut pas le dire) et on les passe l'un à la suite de l'autre. En même temps, la théorie aide à avancer aussi dans sa technique donc l'étude de la théorie renforce le travail de la technique. C'est complémentaire.
Pour info, les UVs et l'EAT sont accessibles en candidat libre. C'est ce que j'ai fait. C'est beaucoup de travail seul donc il est important de s'entourer pour avoir aussi les codes officieux de l'épreuve mais c'est faisable. Il faut juste avoir un peu le goût du challenge quoi !
L'histoire de la danse
L'épreuve la plus "traditionnelle" : on apprend de la théorie et on a une épreuve sur table à base de QCM, dissertation. C'est l'épreuve qui nous permet aussi de prendre du recul par rapport à l'évolution des pratiques et des styles de danse.
L'histoire de la danse depuis la naissance de la danse avec Louis XIV, jusqu'aux ballets classique de l'époque romantique en passant par la naissance de la danse contemporaine ou encore l'histoire de la danse jazz aux États-Unis. Tout un programme !
L'anatomie
Voilà une épreuve théorique que j'ai trouvé passionnante. Il se trouve qu'on a le même programme que les kiné en ce qui concerne l'étude des muscles os et ligaments. 
Les profs de danse ne sont pas des kinés car les kinés ont bien d'autres disciplines en plus mais sur ce volet-là, on a le même contenu. Cela signifie que vous pouvez faire confiance aux profs de danse sur leur connaissance du corps qui n'est pas qu'empirique et liée à la pratique de la danse mais bien aussi à des études théoriques sur le fonctionnement du corps, des os, des muscles, des ligaments, la prévention des blessures, la physiologie du corps (respiration, contraction, respiration...)
Bien que théorique, l'épreuve est presque pratique : c'est un oral où on est avec Oscar le squelette et où on va montrer avec le corps et sur Oscar. Et ça, c'est très important ! Car la connaissance du corps n'est donc vraiment pas une théorie abstraite mais bien un chemin traversé et vécu par le corps et qui est donc intégré, assimilé.
C'est une épreuve qui va du coup donner des clefs aux profs pour accompagner les élèves, construire les cours et aussi pour avancer dans leur technique de danse et la compréhension de leur corps.
La musique
Ahhh l'épreuve de musique. Une épreuve très complète qui personnellement m'a donné du retordre ! Vous vous doutez bien que danse et musique sont liés. Mais connaissez-vous l'ampleur de cette partie du programme ?
Saviez-vous qu'on devait étudier l'histoire de la musique.... depuis le Moyen-âge ?!
Saviez-vous qu'on devait faire des espèces de blind test en mode musique classique (l'angoisse haha) ? (et dansés en plus!)
Saviez-vous qu'on devait chanter du Coltrane devant un jury ?
D'ailleurs, vous savez ce que c'est qu'une mémorisation mélodique ? (moi c'est une de mes plus grandes angoisses !)
Et oui, l'UV de musique est complet et complexe (enfin surtout pour les gens comme moi) qui n'avaient jamais touché à une partition ou un instrument de musique avant ! Et puisque l'épreuve est la même pour le jazz, le contemporain et le classique, et bien j'ai dû être calée en bepob, free jazz, cool jazz, musique romatinque et baroque et en musiques contemporaines hyper bizarres....
Bon, franchement, ne me redemandez pas tous les détails please haha
Mais c'est vrai que c'est une épreuve importante qui permet de travailler le rythme mais aussi les qualités de musique, les nappes sonores, d'entrer en profondeur avec cette matière qui est si proche de la danse !
Épreuve 3 de la formation : la pédagogie
La spécificité de la pédagogie des cours enfants
Mais comment fonctionne un enfant ?!
Voilà une réponse pour laquelle beaucoup d'entre nous aimeraient avoir une réponse claire, une recette.
Alors, spoiler alert, il n'y en a pas, du tout !
Mais il y a quand même des trucs et astuces. En fait, lors de la préparation au Diplôme d'État, on n'apprend pas tellement comment faire avec les enfants mais plutôt comment fonctionne un enfant. C'est vraiment une immersion dans cette période de la vie qui est vraiment spécifique.
Les enfants ne sont pas des mini adultes en formation mais bien des enfants.
Et il se trouve que de 4 à 8 ans, il est interdit (en théorie encore une fois) d'enseigner les techniques de danse. On parle d'éveil et d'initiation à la danse. Je vous explique ça dans une des premières Chroniques de ce blog.
L'idée de la pédagogie de la danse à cette période, c'est d'encourager l'expérimentation, de susciter la curiosité des enfants, de les encourager à continuer de diversifier leurs schémas moteurs, de varier les approches musicales. On apprend donc dans la formation à mettre en place des moments de recherches qui vont leur permettre de nourrir ce goût du mouvement et d'expérimenter par eux-même pour découvrir les sensations de base du mouvement dansé qui vous leur donner plus tard les outils, dès 8 ans, pour les acquisitions techniques de la danse.
Au delà de la question de la transmission de la danse, on apprend aussi comment mettre en place les conditions pour donner envie d'apprendre, pour faire fonctionner un groupe d'enfants dans le calme. On ne sort pas du diplôme avec toutes les clefs en main car dans la pédagogie et ENCORE plus avec les enfants, rien ne remplace l'expérience. Mais on a les outils et les questionnements pour analyser nos pratiques les faire évoluer. Les méthodes Montessori et Freine sont notamment des cadres théoriques, des appuis bien utiles pour avancer dans cette voie exploratoire et fascinante.
Et c'est aussi là qu'on apprend que dans la plupart des cas, un cours un peu chaotique peut sûrement venir d'une transmission un peu moins adaptée aux enfants et très rarement d'enfants pas réceptifs. Mais bon, c'est toujours plus facile à dire qu'à faire.
L'indulgence est de rigueur ! 
Lire les Chroniques de danse liées
Chronique 1 : " À quel âge commencer la danse ? "
Chronique 4 : "Le déroulé d'un cours enfant"
La pédagogie : des allers-retours permanents entre théorie et pratique
Comment on apprend la pédagogie ?
C'est un peu comme la créativité, l'artistique... On a souvent l'impression que ça ne s'apprend pas vraiment, qu'on est pédagogue, créatif, artiste... ou qu'on ne l'est pas.
Oui, la pédagogie est une matière, une discipline "pratique", "empirique". C'est à dire qu'on apprend en faisant (mais finalement comme beaucoup de domaines qu'on croit qu'on a souvent trop intellectualisés, vous ne croyez pas ?!).
Ça ne veut pas dire qu'il n'y a aucune théorie, rien à apprendre ni aucune analyse.
Ça signifie seulement que le cadre théorique et les analyses n'ont que très peu de sens tant qu'on ne les a pas pratiqués.
Du coup, pendant le Diplôme d'État, on pratique beaucoup et on analyse après. En fait, la manière dont on transmet et dont on intéragit avec un groupe est aussi très lié à nos croyances, à notre perception de nous-même, des élèves, de la manière d'apprendre. Donc on analyse autant ce qui s'est passé pendant le cours que comment on s'est senties en tant que prof. Beaucoup d'humilité donc au rendez-vous ! On va chercher les raisons qui nous font donner telle ou telle explication, avoir telle ou telle énergie, avoir telle ou telle voix, telle rapidité ou calme.
On travaille aussi sur la construction d'un cours de danse : comment on gère l'énergie des exercices, les difficultés techniques, la progression d'un cours, le lien entre les propositions dansées.
Transmettre en musique, tout un art !!
Enfin, on fait un travail énorme (et je pèse mes mots) sur la musique. Car lors du diplôme d'État, on transmet les exercices non pas sur des musiques enregistrées mais avec un musicien. En tant que prof, on doit donc chanter nos exercices pour que le musicien puisse comprendre hyper vite le rythme, la structure musicale, l'ambiance et la qualité de danse de la proposition. Et le chant doit être assez clair pour donner à la fois les infos au musicien et des éléments aux élèves. On ne s'adresse pas à l'un puis à l'autre. C'est pour ça que l'UV de musique est si importante.
C'est aussi pour ça que les profs de danse font beaucoup d'onomatopées pour vous accompagner dans les cours. C'est une compétence qu'elles ont travaillé pour avoir une réelle musicalité du mouvement et qui sert beaucoup pour que la musicalité de la danse soit riche et habitée et non "juste" des comptes un peu secs et pas hyper dansant.
L'AFCMD, une discipline particulière et précieuse
Encore un acronyme barbare !?! Mais ce que ça vient faire là ?
AFCMD : Anatomie Fonctionnelle du Corps en Mouvement Dansé
En fait on pourrait enlever le "Dansé", parce qu'on apprend vraiment, au sens large comment fonctionne le corps en mouvement. Au delà de l'acronyme, c'est vraiment une discipline très particulière dans la manière qu'on a d'apprendre. C'est le moment où on a l'impression d'être tombée dans une formation très chelou et où on se pose des questions sur son orientation.
Non j'exagère un peu !
En fait, on va souvent passer par la redécouverte de son propre corps en mouvement. Du coup, c'est marrant parce que pour apprendre à transmettre du coup, on va faire un énorme travail introspectif, presque méditatif. C'est une discipline qui s'appuie notamment sur le travail des pratiques somatiques (Feldenkrais par exemple) pour faire ressentir la complexité du corps en mouvement.
Sentir vraiment le poids du bassin, de la tête et de la cage.
Percevoir toutes les subtilités d'une colonne vertébrale en mouvement, son lien avec la respiration.
Entrer dans la perception de la mémoire du corps et des blocages émotionnels qui peuvent être en jeu dans le mouvement.
Explorer les mouvements subtiles de la clavicule.
Re traverser les étapes du développement moteur de l'enfant comme si on y était.
Je vous avait prévenu, c'est bizarre ! Haha. Mais je crois qu'il faut passer par là. On fait aussi de la théorie, mais elle vient plutôt expliquer et "généraliser" ou nuancer ce qu'on vit dans nos corps que vraiment être le point de départ de l'apprentissage.
L'épreuve finale
Du coup, tout ce que je vous ai cité plus haut, ce sont les matières, les disciplines de la formation. L'épreuve finale, c'est "simplement" un cours de 30 minutes avec des enfants de 4, 5, 6 ou 7 ans, puis un cours technique de 45 minutes. Les 2 cours se font donc avec un musicien. Et tout cela se conclut par un entretien avec le jury.
Pas de note donc sur les disciplines mais bien un point global sur notre capacité à mobiliser tout ça avec du sens dans le cadre d'un cours de danse.
Au delà de l'évaluation des disciplines, on évalue surtout notre capacité à créer un cadre d'apprentissage clair, motivant, qui fasse avancer les élèves en confiance et en sécurité pour leur corps.
Et en fait, je trouve qu'on ne fait que beaucoup trop peu ça dans les autres formations. C'est une méthode d'apprentissage qui fait qu'on ne peut pas bachoter, ça ne sert à rien (et d'ailleurs, ça ne sert pas vraiment dans la vie). Aucun intérêt d'avoir une bonne note en AFCMD. Par contre, bien comprendre les enjeux pour pouvoir les utiliser au mieux dans le cours, oui. Et c'est vachement plus intéressant, non ?!
Pour conclure
Le métier de prof de danse n'est pas très valorisé et je pense que peu se rendent compte du parcours qu'il requiert, des compétences et des disciplines qu'il demande. Et c'est normal !
Cette Chronique n'a pas pour but de revendiquer une nouvelle place sociale aux profs de danse (quoi que )
Mais surtout de vous faire comprendre qu'a priori, vous pouvez faire confiance aux professeurs de danse diplômés. Ils et elles sont formés et savent ce qu'ils font (mais pas une confiance aveugle, je répète, c'est comme le permis). C'est pour ça qu'un diplôme obligatoire, c'est aussi une bonne chose pour élèves.
Donc renseignez-vous mais si vous avez envie de vous mettre à la danse mais que vous avez peur d'être jugée ou de vous faire mal, avec une prof diplômée et sérieuse, il n'y a vraiment que très peu de chances que ça arrive donc lancez-vous ! 
Et vous, quelle image aviez-vous de la formation de prof de danse ? Ça correspond à ce que vous imaginiez ?
Envie de tester un cours de danse tranquillou ?